Da artista e autore a produttore, discografico, editore e manager, Luca Red ha maturato un’esperienza a partire dalla gavetta degli anni Novanta, attraversando le trasformazioni del settore fino alla partecipazione al Festival di Sanremo 2009 nella categoria Giovani Web e al lavoro di sviluppo strategico e manageriale con artisti e progetti musicali.
Nel corso della sua carriera ha scritto per artisti come Francesco Renga e Nina Zilli, collaborando con nomi importanti della musica italiana. Accanto all’attività discografica e manageriale, negli ultimi anni ha dedicato sempre più spazio alla formazione e allo scouting, anche attraverso le Luca Red Lab.
Un’esperienza che gli ha permesso di confrontarsi direttamente con le difficoltà degli artisti emergenti, dalla costruzione di un’identità riconoscibile alla definizione di una strategia, dalla lettura dei risultati alla comprensione delle dinamiche dell’industria. Solo nel 2025 ha ascoltato oltre 1.200 progetti emergenti.
È proprio dall’osservazione di queste esigenze ricorrenti e dalla possibilità di affiancare all’esperienza umana le nuove potenzialità dell’intelligenza artificiale che ha preso forma IArt. Non un altro strumento tecnologico, ma il tentativo di rendere accessibile nel tempo un metodo di lavoro, un insieme di competenze e un approccio strategico che possano aiutare gli artisti a diventare più consapevoli e autonomi, anche al di fuori del confronto diretto con un professionista.
Abbiamo incontrato Luca Red per ripercorrere le tappe personali e professionali che lo hanno portato a immaginare questo progetto, riflettere sui cambiamenti dell’industria musicale e raccontare la sfida che sta alla base di IArt.
Prima di essere manager, discografico o formatore sei stato tu stesso un artista. Quanto della persona che eri allora è rimasto dentro il modo in cui oggi guardi gli artisti che arrivano da te?
Tantissimo. Probabilmente è uno dei motivi per cui riesco ancora ad avere pazienza con certe dinamiche degli artisti che, viste soltanto dalla parte del manager, potrebbero sembrare incomprensibili. Io so cosa significa aspettare una telefonata, pensare che una persona possa cambiarti la carriera, vivere una canzone come se fosse la cosa più importante del mondo e confondere a volte un no professionale con un giudizio su di te.
Essere stato dall’altra parte mi ha lasciato soprattutto questo: quando ho davanti un artista cerco di ricordarmi che per me può essere un progetto, ma per lui è una parte della propria vita.
Allo stesso tempo, proprio perché ci sono passato, cerco di non alimentare illusioni. Capire emotivamente un artista non significa dirgli quello che vuole sentirsi dire. A volte rispettarlo significa anche dirgli che non è ancora pronto, che sta guardando il problema sbagliato o che deve lavorare molto di più.
Hai attraversato un’industria musicale completamente diversa da quella attuale. Qual è la trasformazione che ti ha sorpreso di più e quale, invece, ti sembra soltanto una nuova versione di qualcosa che esiste da sempre?
La trasformazione più grande per me è l’accesso. Quando ho iniziato, per registrare, distribuire, comunicare e soprattutto raggiungere il pubblico avevi bisogno quasi sempre che qualcuno ti aprisse una porta. Oggi un ragazzo può creare, pubblicare, comunicare, raccogliere dati e raggiungere persone praticamente da solo. E con l’AI questo processo sta facendo un altro salto enorme. Quello che invece non è cambiato è la parte più difficile: far interessare davvero qualcuno a quello che fai.
Sono cambiate le porte, gli strumenti, gli intermediari e le piattaforme, ma alla fine c’è sempre una persona dall’altra parte che deve avere un motivo per fermarsi, ascoltarti e possibilmente tornare. Possiamo cambiare tutta la tecnologia del mondo, ma quella parte rimane tremendamente umana.
Hai raccontato che solo nel 2025 hai ascoltato più di 1.200 progetti emergenti. Dopo averne sentiti così tanti, qual è la cosa che più frequentemente manca a un artista che invece pensa di avere soltanto bisogno di essere scoperto?
La prova che esista già qualcosa da scoprire. Molti arrivano con una canzone e pensano che il passaggio successivo debba necessariamente essere trovare un manager, un’etichetta o qualcuno che investa. Ma oggi chi deve investire tempo, lavoro e denaro ha bisogno di vedere almeno qualche segnale.
Non sto parlando necessariamente di milioni di stream. Può essere un piccolo pubblico che ritorna, una comunicazione che comincia a funzionare, persone che vengono ai live, contenuti che generano interesse, una direzione artistica riconoscibile. Qualcosa che dimostri che il progetto ha iniziato a muoversi.
Per questo dico spesso agli artisti: non aspettare qualcuno per iniziare a costruire le ragioni per cui quel qualcuno dovrebbe arrivare.
Le Luca Red Lab sembrano essere state una tappa fondamentale per arrivare a IArt. Quanto è durata la genesi di questo progetto? Quando è stato che hai iniziato a riflettere sulla sua realizzazione?
Le Lab sono state fondamentali perché mi hanno permesso di vedere una cosa ripetersi continuamente: cambiavano gli artisti, cambiavano i generi e i livelli, ma molti problemi tornavano sempre. Identità, strategia, lettura dei risultati, comunicazione, decisioni, comprensione dell’industria.
Con l’arrivo dell’AI ho iniziato a chiedermi se tutta l’esperienza e il Metodo che utilizzavo durante quei percorsi potessero continuare ad accompagnare un artista anche quando io non ero fisicamente con lui.
È lì che nasce davvero IArt. Non dalla domanda “come faccio a costruire un’altra AI?”, ma da una molto più concreta: “come faccio a rendere un artista più autonomo senza lasciarlo solo?”
Da lì è iniziato un lavoro lungo di costruzione, prove, errori e riscrittura. Perché mettere dentro un sistema delle informazioni è relativamente semplice; molto più difficile è provare a trasferirgli un modo di ragionare.
Se potessi incontrare il Luca Red degli anni Novanta per dieci minuti, quale consiglio gli daresti sul modo di affrontare l’industria musicale?
Gli direi: non aspettare che qualcuno venga a dirti che sei pronto. Ho passato anch’io del tempo pensando che il passaggio successivo dipendesse dall’incontro giusto, dalla persona giusta o dall’occasione giusta. Gli direi di imparare prima possibile come funziona questo mestiere, di osservare quello che succede intorno alla propria musica e di costruire qualcosa ogni giorno, anche quando nessuno lo sta guardando.
E probabilmente gli direi anche di sbagliare di più e più velocemente. Alcuni errori che quando sei giovane sembrano enormi, trent’anni dopo scopri che erano semplicemente informazioni che non avevi ancora pagato abbastanza per imparare.
Dopo quasi trent’anni nel settore, c’è ancora qualcosa che ti fa sentire un principiante?
Continuamente. Ed è probabilmente uno dei motivi per cui sono ancora qui. Ogni volta che penso di aver capito definitivamente come funziona qualcosa, cambia una piattaforma, arriva una tecnologia, nasce un nuovo linguaggio o semplicemente incontro un ragazzo che utilizza gli strumenti in un modo che io non avevo previsto.
L’AI mi ha rimesso profondamente in quella condizione. Mi ha costretto a studiare, provare, sbagliare e rimettere in discussione cose che consideravo acquisite.
Dopo quasi trent’anni ho sicuramente più esperienza, ma l’esperienza per me non significa avere smesso di essere un principiante. Significa sapere che prima o poi dovrai tornare a esserlo. E questa, paradossalmente, è una delle parti che mi diverte ancora di più di questo mestiere.
